Rachmaninov / Janáček

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Programme détaillé

Sergueï Rachmaninov (1873-1943)
Concerto pour piano n° 2, en ut mineur, op. 18

I. Moderato
II. Adagio sostenuto
III. Allegro scherzando

[33 min]

--- Entracte ---

Leoš Janáček (1854-1928)
La Petite Renarde rusée

[Příhody Lišky Bystroušky]

Suite d’orchestre (réalisée par Charles Mackerras)

[23 min]

Sinfonietta

I. Allegretto
II. Andante
III. Moderato
IV. Allegretto
V. Andante con moto

[24 min]

Distribution

Orchestre national de Lyon
Nikolaj Szeps-Znaider direction
Lukáš Vondráček piano

CESKO_COUL avec mention

Dans le cadre de Česko, la saison tchèque de l’Auditorium-Orchestre national de Lyon

Introduction

«Je suis un compositeur russe», affirmait Sergueï Rachmaninov, et s’il est une de ses œuvres qui sonne russe, c’est bien ce Deuxième Concerto pour piano (1901) destiné à une tournée de concerts aux États-Unis. Rachmaninov traversait l’Atlantique sans enthousiasme, si attaché à sa terre d’Ivanovka, sans savoir que huit ans plus tard la révolution bolchevique le forcerait à un exil définitif. Les avalanches de notes du piano, l’opulence de l’orchestre témoignent d’un romantisme incongru en ce début de XXe siècle. Leoš Janáček, au contraire, prend le tournant de la modernité lorsqu’il compose ses œuvres majeures dans la dernière décennie de sa vie, triplement dopé par le succès de la reprise à Prague de son opéra Jenůfa (1916), par son amour passionné pour une femme mariée de quarante ans sa cadette, Kamila Stösslová (1917), et par la proclamation de la République tchécoslovaque suite à l’effondrement de l’Empire austro-hongrois (1918). La vivifiante Sinfonietta (1926) et la musique tendre, malicieuse, parfois cruelle de l’opéra La Petite Renarde rusée (1924) offrent un contrepoint plein de piquant et de jeunesse aux débordements mélancoliques de Rachmaninov. La Petite Renarde rusée trouve son origine dans un feuilleton illustré pour enfants publié au printemps 1920 dans un quotidien de Brno. Janáček en tira lui-même le livret de cet opéra en trois actes, fable qui mêle humains et animaux pour célébrer la liberté et le cycle de la vie, incarné par le perpétuel renouveau de la nature. À l’acte I, une large place est laissée à l’orchestre, qui tisse de merveilleuses atmosphères sylvestres où pépient les oiseaux, crient les animaux, sur un fond rythmique issu du folklore morave. Une fanfare exubérante introduit et referme la Sinfonietta, qui selon l’auteur «traduit [sa] perception de [sa ville] de Brno». Au moment de la création, les cinq mouvements portaient des titres évoquant pour les quatre derniers différents lieux de la capitale morave : «Fanfares», «Le Château», «Le Monastère de la Reine», «La Rue» et «La Mairie».

Texte : Auditorium-Orchestre national de Lyon

Rachmaninov, Concerto pour piano n° 2

Composition : été 1900 – avril 1901.
Dédicace : à Monsieur N. Dahl.
Création : Moscou, 11 septembre 1901, par le compositeur au piano, sous la direction d’Alexandre Siloti.

Le Deuxième Concerto pour piano de Rachmaninov est l’une de ses œuvres les plus célèbres. Il inaugure une période féconde de la production du compositeur. Les circonstances de sa composition sont pourtant quelque peu romanesques, faisant suite à une période difficile de trois années presque entièrement stériles. Rachmaninov était tombé dans une profonde dépression, qui se caractérisait notamment par le «syndrome de la page blanche», à la suite de l’échec de la création publique de sa Première Symphonie, le 28 mars 1897. Le compositeur et critique César Cui avait comparé cette symphonie à une évocation des dix plaies d’Égypte, digne d’être admirée par les «détenus» d’un conservatoire de musique en enfer ! En fait, il semble que Glazounov, qui dirigeait l’orchestre, était en état d’ébriété et avait grandement contribué à la catastrophe… La dépression de Rachmaninov s’était accentuée lorsque son projet de mariage avec sa cousine Natalia Satina s’était vu interdire par l’Église orthodoxe (en 1902, ils obtiendront une autorisation spéciale du tsar pour se marier, et ils mèneront une vie de famille unie, avec leurs deux enfants). Rachmaninov consulta un spécialiste, le docteur Nicolas Dahl, disciple de Charcot et bon violoncelliste amateur, qui le soigna par hypnothérapie, lors de séances quotidiennes de janvier à avril 1900. Et bientôt, il reprit confiance en lui et mit en forme de nouvelles idées musicales qui commençaient à germer dans son esprit. Le résultat fut ce splendide concerto, dédié au Dr Dahl, où Rachmaninov s’implique tant comme compositeur qu’interprète (il est évidemment écrit sur mesure pour ses propres moyens pianistiques, qui étaient exceptionnels !). Sans être explicitement autobiographique, cette œuvre à la genèse particulière, d’une esthétique romantique parfaitement assumée, est évidemment le reflet de son être profond, et on notera à ce propos que sa conclusion positive, en apothéose, exprime à l’évidence la victoire sur les souffrances et les langueurs morbides de la dépression.

«Ce besoin de m’exprimer en musique est comme une sorte de soif intérieure qui me pousse à m’exprimer à travers les sons de la même façon que j’utilise la parole pour exprimer ma pensée. La mélodie constitue le germe même de ma création musicale. La musique doit être aimée ; elle doit venir du cœur et aller vers le cœur des gens. Elle est amour !»
(S. Rachmaninov)

Le premier mouvement commence de manière frappante par une séquence pianistique en crescendo qui évoque le son profond des cloches qui a toujours fasciné Rachmaninov. Le premier thème, «con passione», est exposé dans le grave des cordes, accompagné d’arpèges tumultueux au piano. D’une grande ampleur, il s’élève jusqu’à un sommet de lyrisme, avant de retomber inexorablement sur la tonique d’ut mineur. Mais après une transition agitée, la merveilleuse mélodie du second thème, rêveuse et nostalgique, s’élève au piano. Sa tonalité majeure est encore parée d’inflexions mineures, comme des larmes pas encore séchées. Un développement dense entremêle ensuite ces thèmes dans un flot sonore bouillonnant menant à une réexposition majestueuse et héroïque. Un solo de cor mystérieux réintroduit le second thème, plus apaisé, avant une brève coda résolument en ut mineur, où la virtuosité pianistique reprend ses droits.

«Le son des cloches d’église domine toutes les villes russes que j’ai connues : Novgorod, Moscou, Kiev… Les cloches accompagnent chaque Russe, de son enfance jusqu’à la tombe, et aucun compositeur en Russie ne peut échapper à leur influence. Cet amour des cloches est inhérent à chaque Russe.»
(S. R.)

Le second mouvement est un moment de lyrisme épuré, qui commence par une transition en accords menant d’ut mineur à la lointaine tonalité de mi majeur. L’effet obtenu est un total dépaysement sonore, comme si le compositeur nous conduisait au pays des rêves. C’est là le règne du rubato (souplesse dans le tempo, qui hésite, accélère, retient…), favorisé par les superpositions de rythmes binaires et de triolets. La partie centrale s’anime peu à peu, jusqu’à atteindre une expression passionnée qui culmine dans une cadence soliste, avant le retour au calme de la réexposition, dont les dernières notes apaisées rappellent le début du second thème entendu dans le premier mouvement.

Le caractère scherzando du finale n’est pas conçu comme un amusement léger, une plaisanterie (traduction littérale du terme) mais plutôt comme une expression agitée et fiévreuse. L’introduction orchestrale ramène le discours musical en ut mineur, par une suite de modulations rapides. Un thème tumultueux explose au piano, brillant et énergique. Mais bientôt c’est l’orchestre qui entonne un merveilleux thème lyrique, repris et amplifié au piano, soutenu par des harmonies d’une grande plénitude. Au cours de ce finale, les deux types d’expressions contrastées alternent, avec un grand déploiement de virtuosité, mais c’est finalement le thème lyrique, dans un rayonnant ut majeur, qui l’emporte triomphalement en un majestueux tutti.

– Isabelle Rouard

Janáček, La Petite Renarde rusée

La Petite Renarde rusée
Titre original : Příhody lišky Bystroušky, littéralement : Les Aventures de la renarde Bystrouška.
Livret : Leoš Janáček, d’après le feuilleton illustré pour enfants Liška Bystrouška [La Renarde Bystrouška], de Rudolf Těsnohlídek, illustré par Stanislav Lolek (1920).
Composition : 1921-1923.
Création : Brno, Théâtre national, 6 novembre 1924, sous la direction de František Neumann, dans une mise en scène d’Ota Zítek et des décors d’Eduard Milén.
Suite de Charles Mackerras : 2006.

De Šárka (1888) à De la maison des morts (1928), l’opéra tient une place centrale dans la carrière de Janáček : neuf ouvrages au total. Dans ce panorama, La Petite Renarde rusée occupe le septième rang, entre les deux sublimes portraits de femmes que constituent Káťa Kabanová (1921) et L’Affaire Makropoulos (1925).

Au milieu d’œuvres tragiques évoluant dans des environnements écrasants (des sociétés mortifères de Jenůfa et Káťa Kabanová au bagne de De la maison des morts), on pourra s’étonner de voir une jeune renarde malicieuse pointer le nez, entourée de ses amis à plumes et à poils. Parenthèse enchanteresse dans la production lyrique du compositeur morave, La Petite Renarde rusée apporte dans son œuvre une dimension panthéiste à la poésie tendre et lumineuse.

Janáček tire le livret d’un feuilleton pour enfants illustré paru d’avril à juin 1920 dans le journal de Brno Lidové noviny : Liška Bystrouška [La Renarde Bystrouška], l’adjectif bystroušek (bystrouška au féminin) signifiant à la fois «pointu» (comme les oreilles d’un renard) et «rusé». Il compose son opéra en trois actes de 1921 à 1923, au seuil de ses 70 ans, alors qu’il connaît une période de créativité exceptionnelle depuis le succès inespéré de Jenůfa : créé discrètement à Brno en 1904, son troisième opéra lui a ouvert les portes de la renommée internationale grâce à sa reprise à Prague en 1916, puis à Vienne (1918) et à New York (1921). Dopé par ces succès, Janáček l’est plus encore par l’amour passionné qu’il porte depuis 1917 à Kamila Stösslová, une femme mariée de quarante ans sa cadette, et par l’indépendance si longtemps espérée de la Bohême-Moravie en 1918, avec la création de la République tchèque. On s’étonnera moins, au vu de ces circonstances, qu’il ait fait le choix d’un sujet célébrant à la fois la liberté et le renouveau perpétuel de la nature.

La Petite Renarde rusée est présentée avec succès le 6 novembre 1924 au Théâtre national de Brno, puis le 18 mai 1925 à Prague. L’opéra peine toutefois à sortir hors des frontières tchèques. Après quelques tentatives infructueuses, il est donné à Mayence en 1927 dans une adaptation allemande réalisée par Max Brod, sous le titre Das schlaue Füchslein [La Petite Renarde rusée] ; c’est ainsi qu’il est toujours connu en allemand, mais aussi en anglais (The Cunning Little Vixen) et en français.

Au premier acte, le Garde-chasse fait la sieste adossé à un arbre. Réveillé par une jeune renarde joueuse, il la capture et l’emmène chez lui. Attachée dans la cour, Bystrouška sème le désordre, harangue les poules d’un discours quasi révolutionnaire, les dévore puis s’évade. Au deuxième acte, libre, elle s’approprie le terrier d’un blaireau. Parallèlement, le Garde-chasse, l’Instituteur et le Curé se retrouvent à l’auberge pour boire et évoquer leurs déboires personnels et amoureux. Dans la forêt, Bystrouška rencontre le renard Zlatohřbítek (Crinière-d’or) ; leur idylle mène au mariage et à la naissance d’une portée de renardeaux. Au troisième acte, le braconnier Harašta tire sur la renarde et la tue, offrant la fourrure de l’animal à sa fiancée, Terynka, pour leur mariage. Le Garde-chasse, accablé par la perte de la renarde et de Terynka – qu’il aimait –, trouve du réconfort dans la forêt en y croisant une fille de Bystrouška, réplique exacte de sa mère. Le cycle recommence : rien ne meurt vraiment, la nature se perpétue.

Passant avec fluidité du monde animal au monde humain, la partition repose sur ce que Janáček appelait les «mélodies de la parole» [nápěvky mluvy], transcriptions minutieuses qu’il avait réalisées des intonations du tchèque parlé ; mais elle regorge aussi de rythmes et motifs issus du folklore morave. L’orchestre, d’une fraîcheur et d’une variété de couleurs irrésistibles, joue un rôle central grâce à de longs passages symphoniques qui évoquent la vie foisonnante de la forêt : valses d’insectes, chants d’oiseaux, atmosphères crépusculaires ou printanières. Les scènes animales mêlent merveilleusement l’humour, la sensualité et la tendresse ; les humains tirent davantage vers la mélancolie.

En 1937, le chef d’orchestre Václav Talich tira une suite d’orchestre en condensant légèrement la musique du premier acte, privée des voix. Il aplanit au passage les sonorités si originales de la partition. Ce parti pris fut remis en question en 1965 par Václav Smetáček, et en 2006 par Charles Mackerras, immense connaisseur de la musique de Janáček, qui conserva le découpage de Talich mais restitua au plus près l’orchestration originale.

– Claire Delamarche

Cette suite repose entièrement sur la musique du premier acte. Cet acte revêt un caractère largement chorégraphique ; on peut presque y voir défiler les animaux et les insectes, ainsi que la capture de la Renarde par le Garde-chasse et sa fuite. Jusqu’à présent, la suite a toujours été jouée dans l’orchestration de Václav Talich ; or, malgré toute l’admiration que je lui portais, il a apporté des modifications assez étranges. Lorsqu’il dirigeait le Théâtre national, il avait déclaré qu’il lui était impossible d’y monter La Petite Renarde rusée sans une réorchestration complète. Il en a chargé deux personnes, une initiative qui semble incroyable aujourd’hui, tant l’orchestration de cet opéra compte parmi les plus colorées et les plus originales de Janáček. La réorchestration de la suite par Talich s’est imposée comme la norme ; pour belle qu’elle soit, elle a tendance à édulcorer les sonorités très acides associées aux insectes ainsi que les contrastes créés par Janáček grâce à une orchestration certes singulière, mais nullement maladroite. Il me semble indéniable que l’orchestration originale de Janáček confère à ces passages un caractère plus authentique. La suite de Talich et la mienne reposent sur la même musique – il s’agit simplement du premier acte joué du début à la fin, avec quelques légères coupes. La différence réside dans le fait que je respecte l’orchestration originale de Janáček.

– Sir Charles Mackerras

Cette suite est fondée sur la nouvelle édition critique de l’opéra La Petite Renarde rusée établie par Jiří Zahrádka.

Janáček, Sinfonietta

Composition : 1926.
Création : Prague, 29 juin 1926, par l’Orchestre philharmonique tchèque sous la direction de Václav Talich.
Dédicace : «À l’Armée tchécoslovaque».

«Ma Sinfonietta militaire, avec les fanfares, va être jouée au rassemblement du Sokol. Te rappelles-tu les fanfares de Písek ?»
Janáček à Kamila Stösslová, 26 mars 1926

Si Janáček est né en 1854, son œuvre appartient presque entièrement au XXe siècle. Vers 1900, sa réputation ne dépassait pas Brno, la capitale morave. Dans une Bohême-Moravie sous domination germanique, il cultiva la singularité de sa nation par un rejet du langage musical postromantique allemand et un travail quasi maniaque sur la notation musicale de la langue tchèque. Jenůfa témoigne génialement de cette démarche. Hélas ! la création de cet opéra à Brno, en 1904, resta confidentielle. Mais sa reprise à Prague (1916) puis à Vienne (1918) valut enfin à Janáček la reconnaissance internationale qu’il méritait. En 1919, à 65 ans, il obtint la chaire de composition au Conservatoire de Prague.

L’envol de sa renommée coïncida avec la rencontre en 1917 de Kamila Stösslová, une femme mariée de quarante ans sa cadette, dont Janáček tomba éperdument amoureux. Dopé par ces circonstances, il composa avec une énergie décuplée et produisit, dans les dix dernières années de sa vie, la plupart de ses œuvres maîtresses – au nombre desquelles la Sinfonietta. Un troisième facteur contribua à cette exceptionnelle «seconde jeunesse» du compositeur : la proclamation de la République tchécoslovaque, au lendemain de l’effondrement de l’Empire austro-hongrois en 1918, qui autorisait le plus grand optimisme quant à l’avenir de la nation tchèque nouvellement indépendante.

Plus longue des partitions purement orchestrales de Janáček, dont la production artistique était largement tournée vers l’opéra, la Sinfonietta naquit à la croisée de ces événements. Si elle est dédiée «à l’Armée tchécoslovaque», l’œuvre est née de la commande d’une pièce festive pour le VIIIe rassemblement national du Sokol, organisation de sociétés de gymnastique qui avait été un ferment majeur dans la lutte des provinces tchèques pour l’indépendance (sokol signifiant «faucon» en tchèque). Janáček se promenait avec Kamila Stösslová dans un parc de Písek, ville de Bohême-du-Sud où la jeune femme demeurait avec son mari antiquaire, lorsqu’ils entendirent une bande militaire. Le compositeur tenait l’idée de départ de sa nouvelle pièce : une fanfare vivifiante, confiée à neuf trompettes en ut, deux tubas ténors, deux trompettes basses et un jeu de timbales.

Janáček composa l’œuvre en trois semaines, dans le dessein d’exprimer – comme il l’écrivit dans la note d’intention rédigée à l’occasion de la première audition – «les idéaux de l’homme libre contemporain, sa beauté spirituelle et sa joie, sa force, son courage et sa détermination à lutter pour la victoire». Lors de cette première exécution, chacun des mouvements était pourvu d’un titre évoquant un lieu de Brno : outre «Fanfares», on découvrait «Le Château», «Le Monastère de la Reine», «La Rue» et «La Mairie». Si ces titres furent retirés par la suite, ils n’en restent pas moins éclairants ; ils trouvèrent un écho dans un article, intitulé «Moje město» [«Ma Ville»], que le compositeur publia le 24 décembre 1927 dans le quotidien Lidové noviny : «Sur la ville brillait la lumière de la liberté, de la renaissance du 28 octobre 1918 ! L’éclat des trompettes victorieuses, le calme sacré du couvent de la Reine, les ombres de la nuit, le souffle léger de la Montagne verte, l’essor naissant et la grandeur retrouvée de la ville donnèrent naissance à ma Sinfonietta, qui traduit cette perception de ma ville de Brno.»

Imprégnée du souvenir de danses populaires tchèques, la Sinfonietta époustoufle par sa vitalité – Janáček a 72 ans lorsqu’il l’écrit – et par l’originalité des mondes sonores qu’elle révèle. Dans le second mouvement notamment, on remarque la propension du compositeur à faire flotter les instruments aigus par-dessus les graves en laissant dans le médium un trou béant, et à construire le discours par courtes séquences enchaînées sans transition, souvent répétées. Le cœur de la partition est le troisième mouvement, magnifique musique d’atmosphère qui prend la forme de variations sur le thème présenté initialement par les violons. Le deuxième mouvement et le quatrième, qui l’encadrent, ont le caractère de scherzos. Les mouvements extrêmes se répondent eux aussi, puisque le finale (que Janáček nota Andante con moto mais que la partition marque de manière erronée comme un Allegro) est parachevé par une reprise de la fanfare initiale : les neuf trompettes en ut de la fanfare s’ajoutent ici aux trois trompettes en fa (plus graves) du reste de l’orchestre et aux autres cuivres, dans une péroraison éblouissante.

La Sinfonietta constitue l’une des dernières œuvres de Janáček, qui mourra deux ans plus tard d’une pneumonie.

– C. D.